한국 전통주 브랜드 마타리의 크리에이티브 디렉션, 브랜드 아이덴티티, 패키지 디자인 및 웹사이트 디자인
마타리는 왕실 문헌과 양반가의 기록에 담긴 조상들의 양조법을 연구하여 한국 전통주의 정교한 맛을 현대적으로 복원하는 프리미엄 한국 전통주 브랜드입니다. 파켓은 사랑하는 사람들과의 연결이 삶을 풍요롭게 한다는 마타리의 핵심 철학을 담아내는 브랜드 시각 언어를 만들어냈습니다. 조선시대 문인과 학자들이 편지나 시를 주고받을 때 쓴 '시전지’를 현대적으로 재해석하여 브랜드 아이덴티티부터 패키지, 온/오프라인 경험까지 전반적인 디자인 방향성을 정립했습니다.
Creative Direction for the premium Korean traditional liquor brand, MATARI. Through extensive research into royal court archives and noble family records, MATARI has revived sophisticated flavors from Korea's rich brewing heritage. Our design strategy honors this commitment to authenticity while creating a visual language that appeals to contemporary audiences.
The design concept is inspired by Sijeonji, the special paper used for poetry and letters during the Joseon Dynasty. Just as Sijeonji carried personal emotions and connected people across distances, MATARI brings people together through shared experiences. This meaningful parallel guides our entire design approach—from brand identity to packaging and digital presence. MATARI's offerings facilitate meaningful connections, paralleling the function of correspondence written on Sijeonji throughout history.
마타리는 왕실 문헌과 양반가의 기록에 담긴 조상들의 양조법을 연구하여 한국 전통주의 정교한 맛을 현대적으로 복원하는 프리미엄 한국 전통주 브랜드입니다. 파켓은 사랑하는 사람들과의 연결이 삶을 풍요롭게 한다는 마타리의 핵심 철학을 담아내는 브랜드 시각 언어를 만들어냈습니다. 조선시대 문인과 학자들이 편지나 시를 주고받을 때 쓴 '시전지’를 현대적으로 재해석하여 브랜드 아이덴티티부터 패키지, 온/오프라인 경험까지 전반적인 디자인 방향성을 정립했습니다.
Creative Direction for the premium Korean traditional liquor brand, MATARI. Through extensive research into royal court archives and noble family records, MATARI has revived sophisticated flavors from Korea's rich brewing heritage. Our design strategy honors this commitment to authenticity while creating a visual language that appeals to contemporary audiences.
The design concept is inspired by Sijeonji, the special paper used for poetry and letters during the Joseon Dynasty. Just as Sijeonji carried personal emotions and connected people across distances, MATARI brings people together through shared experiences. This meaningful parallel guides our entire design approach—from brand identity to packaging and digital presence. MATARI's offerings facilitate meaningful connections, paralleling the function of correspondence written on Sijeonji throughout history.
Floor on Air를 위한 아이덴티티 개발, 온/오프라인 홍보물 디자인
Floor on Air는 리트벨트 아카데미와 샌드버그 인스티튜트 학생회가 주최하는 퍼포먼스 아트 플랫폼입니다. 다양한 퍼포먼스 예술가들이 참가자들과 함께 호흡하는 워크샵 시리즈로, 행사가 진행되는 동안 평범한 학교 공간을 생동감 있는 무대로 탈바꿈합니다. 'Floor on Air’의 이름은 고정되지 않고 자유롭게 움직이는 이 플랫폼의 특성을 담고 있습니다.
파켓은 Floor on Air의 본질을 들꽃에 비유해 표현합니다. 들꽃처럼 이 플랫폼은 예측할 수 없이 학교 곳곳에 피어나고, 자연스럽게 사라졌다가 다시 나타납니다. 이 플랫폼은 불시에 등장했다 사라지며, 다양한 사람들이 주인공이 되고, 참여하고, 함께 움직이는 즐거운 장을 만들어냅니다. Floor on Air는 학교의 딱딱한 공간에서 벗어나 자유롭게 움직이고 표현할 수 있는 시간과 장소를 제공합니다.
Identity Design and On/Off-line promotions design for Floor on Air
Floor on Air is a performance art platform hosted by the Student Council of Rietveld Academie and Sandberg Instituut. This program brings performance artists and participants together through workshops, temporarily turning ordinary school spaces into lively stages. The name 'Floor on Air' reflects a floor that floats, moving freely rather than remaining static. With just a soft floor, rigid institutional spaces transform into flexible canvases for expression.
Pakket captured Floor on Air's essence through visual language that draws a direct parallel to wildflowers. Like these resilient plants, the platform blooms unpredictably across the school, naturally disappears, and returns again. is a warm invitation for moving bodies. It offers moments to break free from concrete surfaces and move with freedom. This special gathering appears and vanishes throughout the school year, creating opportunities for people to host, participate, and move together.
Floor on Air는 리트벨트 아카데미와 샌드버그 인스티튜트 학생회가 주최하는 퍼포먼스 아트 플랫폼입니다. 다양한 퍼포먼스 예술가들이 참가자들과 함께 호흡하는 워크샵 시리즈로, 행사가 진행되는 동안 평범한 학교 공간을 생동감 있는 무대로 탈바꿈합니다. 'Floor on Air’의 이름은 고정되지 않고 자유롭게 움직이는 이 플랫폼의 특성을 담고 있습니다.
파켓은 Floor on Air의 본질을 들꽃에 비유해 표현합니다. 들꽃처럼 이 플랫폼은 예측할 수 없이 학교 곳곳에 피어나고, 자연스럽게 사라졌다가 다시 나타납니다. 이 플랫폼은 불시에 등장했다 사라지며, 다양한 사람들이 주인공이 되고, 참여하고, 함께 움직이는 즐거운 장을 만들어냅니다.
Identity Design and On/Off-line promotions design for Floor on Air
Floor on Air is a performance art platform hosted by the Student Council of Rietveld Academie and Sandberg Instituut. This program brings performance artists and participants together through workshops, temporarily turning ordinary school spaces into lively stages. The name 'Floor on Air' reflects a floor that floats, moving freely rather than remaining static. With just a soft floor, rigid institutional spaces transform into flexible canvases for expression.
Pakket captured Floor on Air's essence through visual language that draws a direct parallel to wildflowers. Like these resilient plants, the platform blooms unpredictably across the school, naturally disappears, and returns again.
코펜하겐에서 빈티지 가구와 세라믹 오브제를 수집하고 판매하는 수집 코펜하겐을 위한 브랜드 아이덴티티와 웹사이트 디자인
수집 코펜하겐은 코펜하겐에서 빈티지 가구와 세라믹 오브제를 정성스럽게 수집하고 판매하는 공간입니다. 오래된 것들이 지닌 고유한 가치와 이야기를 현대적 감각으로 재해석하는 이곳에서 우리는 과거와 현재가 만나는 특별한 순간을 경험할 수 있습니다.
파켓은 '수집(Collect)'이라는 의미에서 출발해 브랜드의 정체성을 형성했습니다. 로고는 조형적인 알파벳들이 모여 'Sujip'이라는 단어를 이루는 형태로 디자인되었습니다. 마치 다양한 시대와 장소에서 온 물건들이 한 공간에 모여 새로운 조화를 이루는 것처럼, 개성 있는 글자들이 모여 하나의 의미 있는 단어를 완성합니다. 웹사이트 디자인의 굵은 테두리와 여백의 균형은 미니멀하면서도 대담한 브랜드의 성격을 보여줍니다. 수집 코펜하겐의 웹사이트는 단순한 온라인 쇼핑몰을 넘어, 북유럽 디자인의 역사, 주요 디자이너들의 작품 세계, 그리고 현대 디자인에 미친 영향 등 북유럽 디자인 문화 전반에 관한 풍부한 콘텐츠를 큐레이션하는 디지털 갤러리로서 브랜드의 미학적 가치를 효과적으로 전달하고 있습니다.
Brand Identity and Website Design for a Sujip Copenhagen, A vintage boutique shop collecting the vintage furniture and ceramic objects in Copenhagen
SUJIP Copenhagen is a boutique shop that collects and sells vintage furniture and ceramic objects in Copenhagen. Our task was to create a distinctive brand identity and website design that would reflect the unique character of their curated collection. The brand identity draws inspiration from the meaning of "Collect" (수집/Sujip in Korean). We expressed this concept through a logo design where sculptural alphabets come together to form the word "Sujip" – mirroring how diverse vintage pieces from different eras and origins are gathered together to create new harmony in one space.
The bold yet serene character of the brand is consistently carried throughout the website design. A key visual element is the prominent bold borders that appear across the web interface, effectively conveying a vintage mood while maintaining a contemporary digital experience. The website serves as both a digital showcase for SUJIP's carefully curated items and a platform that celebrates the rich heritage of Nordic design. Through thoughtful design choices and intuitive navigation, visitors can explore the collection and appreciate the unique story behind each vintage piece.
수집 코펜하겐은 코펜하겐에서 빈티지 가구와 세라믹 오브제를 정성스럽게 수집하고 판매하는 공간입니다. 오래된 것들이 지닌 고유한 가치와 이야기를 현대적 감각으로 재해석하는 이곳에서 우리는 과거와 현재가 만나는 특별한 순간을 경험할 수 있습니다.
파켓은 '수집(Collect)'이라는 의미에서 출발해 브랜드의 정체성을 형성했습니다. 로고는 조형적인 알파벳들이 모여 'Sujip'이라는 단어를 이루는 형태로 디자인되었습니다. 마치 다양한 시대와 장소에서 온 물건들이 한 공간에 모여 새로운 조화를 이루는 것처럼, 개성 있는 글자들이 모여 하나의 의미 있는 단어를 완성합니다. 웹사이트 디자인의 굵은 테두리와 여백의 균형은 미니멀하면서도 대담한 브랜드의 성격을 보여줍니다. 수집 코펜하겐의 웹사이트는 단순한 온라인 쇼핑몰을 넘어, 북유럽 디자인의 역사, 주요 디자이너들의 작품 세계, 그리고 현대 디자인에 미친 영향 등 북유럽 디자인 문화 전반에 관한 풍부한 콘텐츠를 큐레이션하는 디지털 갤러리로서 브랜드의 미학적 가치를 효과적으로 전달하고 있습니다.
Brand Identity and Website Design for a Sujip Copenhagen, A vintage boutique shop collecting the vintage furniture and ceramic objects in Copenhagen
SUJIP Copenhagen is a boutique shop that collects and sells vintage furniture and ceramic objects in Copenhagen. Our task was to create a distinctive brand identity and website design that would reflect the unique character of their curated collection. The brand identity draws inspiration from the meaning of "Collect" (수집/Sujip in Korean). We expressed this concept through a logo design where sculptural alphabets come together to form the word "Sujip" – mirroring how diverse vintage pieces from different eras and origins are gathered together to create new harmony in one space.
The bold yet serene character of the brand is consistently carried throughout the website design. A key visual element is the prominent bold borders that appear across the web interface, effectively conveying a vintage mood while maintaining a contemporary digital experience. The website serves as both a digital showcase for SUJIP's carefully curated items and a platform that celebrates the rich heritage of Nordic design. Through thoughtful design choices and intuitive navigation, visitors can explore the collection and appreciate the unique story behind each vintage piece.
세라믹 브랜드 Kindkow의 아이덴티티 및 웹사이트 디자인
Kindkow는 일상의 경계를 넘나드는 세라믹 브랜드입니다. 가구와 관련한 조각과 디자인 오브제를 만드는 Kindkow는 우리가 당연하게 여기는 물건들의 기능, 효율성, 그리고 명확성에 질문을 던집니다.
파켓 스튜디오는 Kindkow와 함께 브랜드의 실험적 정신을 담아낼 수 있는 비주얼 아이덴티티와 디지털 플랫폼을 개발했습니다. 이 협업을 통해 Kindkow의 창의적 세계관이 시각적으로 어떻게 표현될 수 있는지 탐구했습니다. Kindkow의 로고는 가구에서 영감을 받은 세라믹 오브제를 닮은 알파벳을 만드는 브랜드의 시그니처 라인을 기반으로 제작했습니다. 상반되는 곡선과 직선이 만나는 글자 형태는 가독성의 경계를 실험하며, 브랜드가 추구하는 효율성과 명확성에 대한 탐구 정신을 반영합니다.
Visual identity and digital platform design for Kindkow
Kindkow is a ceramic brand that traverses the boundaries of everyday life. Creating sculptures and design objects related to furniture, Kindkow questions the function, efficiency, and clarity of objects we take for granted.
We partnered with Kindkow to develop a visual identity and digital platform that would capture the brand's experimental spirit. Through this collaboration, we explored how Kindkow's creative worldview could be visually expressed.
We created the logotype using alphabets that resemble the ceramic objects inspired by furniture that Kindkow produces. The letterforms, where contrasting curves and straight lines meet, experiment with the boundaries of legibility, reflecting the brand's spirit of exploring efficiency and clarity.
Kindkow는 일상의 경계를 넘나드는 세라믹 브랜드입니다. 가구와 관련한 조각과 디자인 오브제를 만드는 Kindkow는 우리가 당연하게 여기는 물건들의 기능, 효율성, 그리고 명확성에 질문을 던집니다.
파켓 스튜디오는 Kindkow와 함께 브랜드의 실험적 정신을 담아낼 수 있는 비주얼 아이덴티티와 디지털 플랫폼을 개발했습니다. 이 협업을 통해 Kindkow의 창의적 세계관이 시각적으로 어떻게 표현될 수 있는지 탐구했습니다. Kindkow의 로고는 가구에서 영감을 받은 세라믹 오브제를 닮은 알파벳을 만드는 브랜드의 시그니처 라인을 기반으로 제작했습니다. 상반되는 곡선과 직선이 만나는 글자 형태는 가독성의 경계를 실험하며, 브랜드가 추구하는 효율성과 명확성에 대한 탐구 정신을 반영합니다.
Visual identity and digital platform design for Kindkow
Kindkow is a ceramic brand that traverses the boundaries of everyday life. Creating sculptures and design objects related to furniture, Kindkow questions the function, efficiency, and clarity of objects we take for granted.
We partnered with Kindkow to develop a visual identity and digital platform that would capture the brand's experimental spirit. Through this collaboration, we explored how Kindkow's creative worldview could be visually expressed.
We created the logotype using alphabets that resemble the ceramic objects inspired by furniture that Kindkow produces. The letterforms, where contrasting curves and straight lines meet, experiment with the boundaries of legibility, reflecting the brand's spirit of exploring efficiency and clarity.
헤릿 리트벨트 아카데미(Gerrit Rietveld Academie) TXT 학과 2024년 졸업전시를 위한 그래픽 아이덴티티, 리플렛, 전시 도록
전시 카탈로그는 나타샤 베딩필드(Natasha Bedingfield)의 노래를 인용하며 이런 문구를 담고 있습니다: "쓸 수 없는 것을 쓰는 고된 작업 후에 '미작성'으로 돌아가는 것이 완벽한 완성이 되지 않을까요?" 이 질문은 창작 여정이 끝난 후 남겨진 것들—스케치, 종이와 펜이라는 단순한 도구, 완성된 생각 사이의 빈 공간—에 대해 생각해보게 했습니다.
파켓은 리플렛으로 변형되는 포스터를 디자인했습니다. 이 형식은 글쓰기 과정의 유동적인 특성을 반영하며, 아이디어가 접히고, 펼쳐지고, 다양한 배열로 드러날 수 있음을 보여줍니다. 전시 도록은 최종 결과물에서는 숨겨지지만 창작 여정에서 중요한 역할을 하는 창작의 흔적들—손글씨 메모, 지워진 문구, 여백의 낙서—을 강조합니다.
Graphic idenity, leaflet, and publication for the graduation of TXT departmet, Gerrit Rieveld Academie 2024
Pakket Studio collaborated with the TXT department at Gerrit Rietveld Academie to create visuals for their 2024 graduation exhibition. Our design builds upon the concept of their exhibition catalog titled "Unwritten," embracing the beauty found in the creative process rather than just the final result.
The exhibition catalog references Natasha Bedingfield's song with the quote: "Doesn't it make perfect sense to return to the Unwritten after such an arduous work of writing the unwritable?" This question inspired us to consider what remains after the journey of creation—the sketches left behind, the simple tools of paper and pen, and the spaces between finished thoughts.
We designed a poster that transforms into a leaflet. This format reflects the fluid nature of the writing process, where ideas can be folded, unfolded, and revealed in different arrangements.
Publication celebrates the remnants of creation, such as margin doodling, crossed-out words, and handwritten notes, which are often buried in final presentations yet are essential to the process of discovery.
전시 카탈로그는 나타샤 베딩필드(Natasha Bedingfield)의 노래를 인용하며 이런 문구를 담고 있습니다: "쓸 수 없는 것을 쓰는 고된 작업 후에 '미작성'으로 돌아가는 것이 완벽한 완성이 되지 않을까요?" 이 질문은 창작 여정이 끝난 후 남겨진 것들—스케치, 종이와 펜이라는 단순한 도구, 완성된 생각 사이의 빈 공간—에 대해 생각해보게 했습니다.
파켓은 리플렛으로 변형되는 포스터를 디자인했습니다. 이 형식은 글쓰기 과정의 유동적인 특성을 반영하며, 아이디어가 접히고, 펼쳐지고, 다양한 배열로 드러날 수 있음을 보여줍니다. 전시 도록은 최종 결과물에서는 숨겨지지만 창작 여정에서 중요한 역할을 하는 창작의 흔적들—손글씨 메모, 지워진 문구, 여백의 낙서—을 강조합니다.
Graphic idenity, leaflet, and publication for the graduation of TXT departmet, Gerrit Rieveld Academie 2024
Pakket Studio collaborated with the TXT department at Gerrit Rietveld Academie to create visuals for their 2024 graduation exhibition. Our design builds upon the concept of their exhibition catalog titled "Unwritten," embracing the beauty found in the creative process rather than just the final result.
The exhibition catalog references Natasha Bedingfield's song with the quote: "Doesn't it make perfect sense to return to the Unwritten after such an arduous work of writing the unwritable?" This question inspired us to consider what remains after the journey of creation—the sketches left behind, the simple tools of paper and pen, and the spaces between finished thoughts.
We designed a poster that transforms into a leaflet. This format reflects the fluid nature of the writing process, where ideas can be folded, unfolded, and revealed in different arrangements.
Publication celebrates the remnants of creation, such as margin doodling, crossed-out words, and handwritten notes, which are often buried in final presentations yet are essential to the process of discovery.
Medium Rare의 기획전 One Way Ticket to Amsterdam의 전시 아이덴티티 디자인
전시의 키비주얼은 암스테르담의 상징적인 기하학적 서체인 'Amsterdamse Brugletter'에서 영감을 받았습니다. 암스테르담 곳곳에 있는 약 1,700개의 다리에 설치된 주철 명판에서 볼 수 있는 이 독특한 글자체는 1930년경 모든 다리에 공식 명칭이 부여되면서 도시의 시각적 정체성의 중요한 부분으로 자리 잡았습니다. 전시 비주얼 전반에 이 특징적인 타이포그래피를 적용함으로써 암스테르담 도시의 정취를 표현합니다.
Exhibition Identity Design for "One Way Ticket to Amsterdam" by Medium Rare
The key visual features typography inspired by 'Amsterdamse Brugletter' – the distinctive geometric letterforms that are iconic to Amsterdam. These unique letters can be seen throughout the city on the cast iron nameplates of Amsterdam's 1,700 bridges. Dating back to around 1930, when all bridges were officially named, these letterforms have become an essential part of Amsterdam's visual identity. By using this distinctive typography in our exhibition materials, we bring an authentic piece of Amsterdam's street character to Seoul, creating an immediate visual connection to the city's unique aesthetic heritage.
전시의 키비주얼은 암스테르담의 상징적인 기하학적 서체인 'Amsterdamse Brugletter'에서 영감을 받았습니다. 암스테르담 곳곳에 있는 약 1,700개의 다리에 설치된 주철 명판에서 볼 수 있는 이 독특한 글자체는 1930년경 모든 다리에 공식 명칭이 부여되면서 도시의 시각적 정체성의 중요한 부분으로 자리 잡았습니다. 전시 비주얼 전반에 이 특징적인 타이포그래피를 적용함으로써 암스테르담 도시의 정취를 표현합니다.
Exhibition Identity Design for "One Way Ticket to Amsterdam" by Medium Rare
The key visual features typography inspired by 'Amsterdamse Brugletter' – the distinctive geometric letterforms that are iconic to Amsterdam. These unique letters can be seen throughout the city on the cast iron nameplates of Amsterdam's 1,700 bridges. Dating back to around 1930, when all bridges were officially named, these letterforms have become an essential part of Amsterdam's visual identity. By using this distinctive typography in our exhibition materials, we bring an authentic piece of Amsterdam's street character to Seoul, creating an immediate visual connection to the city's unique aesthetic heritage.
헤릿 리트벨트 아카데미 TXT디파트먼트의 2023 졸업전시 아이덴티티 그래픽과 리플렛 디자인
문에 걸어두는 도어사인에서 영감을 얻어, 전시에 참여하는 각 작가를 위한 고유한 사이니지를 디자인했습니다. 이 사이니지는 관람객이 작가의 전시 공간에 들어가기 전 표지판 역할을 하면서 동시에 집으로 가져갈 수 있는 수집 가능한 기념품으로도 기능합니다.
각 사이니지는 개인적인 초대장이 되어 관람객과 작가를 연결해주는 매개체로 작동합니다. 작가의 고유한 세계로 들어가기 위한 준비를 도와주며, 동시에 창작 공간 사이의 경계를 인식하게 합니다. 이러한 수집 가능한 사이니지 시스템을 통해 각 작가의 개성을 존중하면서도 전체 전시의 일관성을 유지하는 통일된 시각 언어를 구축했습니다. 관람객들은 단순한 관찰자가 아닌, 전시회를 돌아다니며 이러한 병렬 세계의 조각들을 모으는 적극적인 참여자로 변화합니다.
Graphic idenity, leaflet for the graduation of TXT departmet, Gerrit Rieveld Academie 2023
Inspired by these everyday objects that signal presence and absence, we designed unique signage for each artist participating in the exhibition. These signs serve as both functional markers before entering each artist's show space and as collectible mementos that visitors can take home.
Each sign becomes a personal invitation—a gateway that prepares visitors for the transition into an artist's distinct world while also acknowledging the boundaries between creative spaces. The familiar form of a door hanger transforms into something meaningful: a physical token that connects the visitor to the artist's vision.
By creating this system of collectible signage, we've established a unifying visual language that respects each artist's individuality while creating a cohesive exhibition experience. Visitors engage not just as observers but as active participants who gather pieces of these parallel worlds as they move through the exhibition.
문에 걸어두는 도어사인에서 영감을 얻어, 전시에 참여하는 각 작가를 위한 고유한 사이니지를 디자인했습니다. 이 사이니지는 관람객이 작가의 전시 공간에 들어가기 전 표지판 역할을 하면서 동시에 집으로 가져갈 수 있는 수집 가능한 기념품으로도 기능합니다.
각 사이니지는 개인적인 초대장이 되어 관람객과 작가를 연결해주는 매개체로 작동합니다. 작가의 고유한 세계로 들어가기 위한 준비를 도와주며, 동시에 창작 공간 사이의 경계를 인식하게 합니다. 이러한 수집 가능한 사이니지 시스템을 통해 각 작가의 개성을 존중하면서도 전체 전시의 일관성을 유지하는 통일된 시각 언어를 구축했습니다. 관람객들은 단순한 관찰자가 아닌, 전시회를 돌아다니며 이러한 병렬 세계의 조각들을 모으는 적극적인 참여자로 변화합니다.
Graphic idenity, leaflet for the graduation of TXT departmet, Gerrit Rieveld Academie 2023
Inspired by these everyday objects that signal presence and absence, we designed unique signage for each artist participating in the exhibition. These signs serve as both functional markers before entering each artist's show space and as collectible mementos that visitors can take home.
Each sign becomes a personal invitation—a gateway that prepares visitors for the transition into an artist's distinct world while also acknowledging the boundaries between creative spaces. The familiar form of a door hanger transforms into something meaningful: a physical token that connects the visitor to the artist's vision.
By creating this system of collectible signage, we've established a unifying visual language that respects each artist's individuality while creating a cohesive exhibition experience. Visitors engage not just as observers but as active participants who gather pieces of these parallel worlds as they move through the exhibition.